C 11 по 17 ноября в кишинёвском театре «С улицы Роз» Республики Молдова прошёл Международный фестиваль-лаборатория камерных театров и спектаклей малых форм «Молдфест». Программа всегда очень насыщена, представлены разные страны, языки и жанры. Спектакли объединяет не только искренняя, творческая атмосфера, но и возникающие вопросы, размышления и сюжеты.
В разговоре художника со зрителями о волнующих и вечных темах всегда остро ощущается фальшь, а манипуляция воспринимается как личная обида. На «Молдфесте» спектакль, показанный в первый вечер хозяевами фестиваля, сконцентрировал внимание на важной проблеме – как в традиционном театре тонко и искренне говорить о прописных истинах, оставляя зрителям полную свободу восприятия.
Знаменитая пьеса Э.-Э. Шмитта «Оскар и розовая дама» – особый вызов для режиссёра. Юрий Хармелин в своём спектакле в Театре «С улицы Роз» выбирает лёгкую и чистую интонацию, которая позволяет говорить о смерти прямо и не пафосно. Василий Павленко играет Оскара не маленьким ребёнком, он вообще играет не возраст, а особое состояние души больного, сосредоточенного на себе человека. Образ придуман до мельчайших деталей, каждую секунду с героем происходят внутренние перемены, которые очень точно выражаются в пластике – Оскар теребит кофту, переминается с ноги на ногу, мимика актера подвижна и переменчива. Герой Василия Павленко обладает тонкой, немного мрачной иронией, в отношениях мальчика с Розовой Дамой Елены Дудич много нежности, юмора и непосредственности, только с каждой сценой шутить Оскару становится всё тяжелее и тяжелее. В кульминационной сцене встречи с Богом «Вальс Снежинок» из балета Чайковского становится олицетворением той самой гармонии, которую почувствовал умирающий мальчик. Словно Бог явился ему именно в этой великой музыке.
В спектакле Приднестровского государственного театра драмы и комедии им. Н. С. Аронецкой «Наш Чехов» режиссёр Дмитрий Ахмадиев вместе со студентами театрального института соединяет рассказы Чехова и монологи из пьес. Гармонично и легко передаются реплики от одного артиста к другому, создавая пёструю картину характеров и сюжетов. Выделяются яркие фактуры актёров, их пластика и голоса. Увлекает работа с пространством, однако за общим накалом и нарочитой эмоциональностью трудно почувствовать атмосферу, услышать нюансы. Не хватает тишины и внимания к ассоциациям, мыслям зрителей, многозначные чеховские строки наполняются одной краской, пусть и представленной талантливо и выразительно.
Режиссёр Владимир Кулагин из Нижнего Новгорода в прошлом году привозил на «Молдфест» аскетичный и вдумчивый спектакль «Печали и радости» по прозе Ф. Абрамова. Герой актёра Ивана Скуратова в тёмном пространстве сцены рассказывал историю своей судьбы, мысленно устремлялся ввысь, улавливая голоса давно ушедших родных. Песня из «Пяти вечеров», звучащая в спектакле, «там, в краю далёком, есть у меня жена», превратилась в некую молитву, обрела духовный смысл, трансформируя разговор о смерти и одиночестве в философскую притчу. Название спектакля, который Владимир Кулагин в этом году показывал в Кишинёве, по смыслу и настроению созвучно с предыдущей работой – «Чтобы увидеть радугу, надо переждать дождь» по произведениям А. Володина. Только на этот раз – девушка, актриса Юлия Палагина, и белоснежная сцена как в фотостудии. В ностальгическую и поэтическую атмосферу зрителей погружают голоса Татьяны Дорониной и Олега Ефремова из фильма «Три тополя на Плющихе». Юлия Палагина первые минуты продолжает интонации, манеру Дорониной, словно вызывает из прошлого образ, воспоминания. Судьба одинокой женщины сыграна минимальными средствами, направляя зрительское внимание в самую суть текста, в глубину вечных житейских конфликтов. Тихий, напряжённый голос, неуверенная, словно подчинённая какой-то одной мысли пластика. Чёрный зонтик, пальто, превращающееся то в возлюбленного героини, то в её ребёнка, в спектакле Владимира Кулагина становятся, символами течения жизни, невероятных метаморфоз. Из них постепенно и вырастает главный вывод – «Чтобы увидеть радугу, надо переждать дождь».
Премьера частного театра «AngelinaRoscaTeatru» «Астро-ремиссия» предлагает зрителям важный и тяжёлый сюжет о болезни и смерти. Режиссёр Дмитрий Акриш обратился к реальной истории о мальчике, который победил онкологию, когда сбылась его мечта – телефонный разговор с космонавтом. В спектакле звучат документальные диагнозы, результаты анализов и исследований, которые окутывают своей беспощадностью и неотвратимостью. Режиссёр выбрал агрессивную и жёсткую интонацию. Яростная, грубоватая игра Виктора Ворознина, грохот опускающихся жалюзи, гул, скрип и неприятный синий свет создают давящую атмосферу озлобленности и неприятия. Духовная перемена, произошедшая с героем, звучит лишь в тексте, однако, внешне, в нарочито устрашающей и безнадёжной обстановке, спектакль не меняется. В работе Акриша есть интересно придуманные сцены – опухоль, показанная как запутанный лабиринт, из которого в финале герой выбирается и смотрит на него уже со стороны. Однако, возникает ощущение, что авторы спектакля планомерно, с помощью разных средств пугают зрителей, не оставляя пространства для личного размышления о боли и смерти. Вместо совместного с героем перерождения, проживания его исцеления, ощущаешь раздражение и диссонанс с эстетикой. Меж тем, по-настоящему страшным в спектакле был лишь сухой текст диагноза.
На международных фестивалях особый опыт – спектакль на иностранном языке, привезённый без перевода и титров. С одной стороны, это препятствие и неудобство, с другой – интересное испытание для режиссёра, актёров и зрителей – спектакль прочитывается без помощи текста. Моноспектакль «Сны Гамлета» из города Приштина («Центр Театра и Кино «Акт», Центр ITI) по пьесе Нины Мазур игрался на албанском языке. Режиссёр и актёр Mentor Zymberaj наполнил камерное пространство знаками, которые отсылают к тексту пьесы и сюжету шекспировского «Гамлета». Стилизованный костюм эпохи 16 века и благородная старинная музыка создают атмосферу гамлетовской Дании, а голоса сверху – это реплики других героев. Mentor Zymberaj придумал большую конструкцию – каркас, в которую заключён Гамлет. Она становится воплощением и его снов, и могилы, замыкаясь над Гамлетом словно дом. Визуальный образ сцеплен со звуковым, каждый раз, когда появляется новая реплика, в декорации зажигается разноцветный квадратик. Как в лабиринте или детской игре Гамлет пытается пройти маршрут, избавиться от заданной траектории, однако, вновь и вновь оказывается внутри конструкции. Актёрская игра, сценография, пластика и знаковая система спектакля создают поле для свободной зрительской рефлексии, стирающей языковые барьеры.
«Сонечка. Stand-up по мотивам Цветаевой» («Активный театр», режиссёр Ольга Гусилетова) – поразительно деликатный и нежный иммерсивный спектакль. Актриса Анна Перелешина своим проницательным и изящным обаянием захватывает зал и превращает зрителей в участников не конкретными действиями, а самой атмосферой, интересом и симпатией к каждому человеку. В цветаевскую историю о Сонечке вплетаются реплики и реакции зрителей, актриса, ни на секунду не отступая от текста, встраивает их в сюжет. Из взаимного восхищения возникает поразительное чувство свободы, уходит страх и открывается сердце и ум.
В спектакле Поэтического театра Алексея Матеевича (Кишинёв) «Дневник Анны Франк» режиссер и драматург Нелли Козару выбрала самое начало книги – детство Анны. Актриса подробно играет молодость, красоту, кульминацией становится рассказ о взрослении девушки. Вне спектакля оказывается страшное продолжение, оно обозначено лишь маленьким пересказом перед началом действия, и каждый зритель самостоятельно делает выбор – смотреть спектакль просто о милой девочке, которая переполнена энергией, влюблена, или о чудовищном режиме, который уничтожил красивое и жаждущее жизни создание.
Движение большой истории ощущалось и в моноспектакле режиссёра Алексея Шемеса «Пугачёв. Рождение» (Алмаатинский театр им. Байтена Омарова) по поэме «Пугачёв» и письмам Сергея Есенина. Актёр Марат Амираев начинает в центре сцены за небольшим столом в темноте, но тень от свечи создаёт на заднике огромные чёрные крылья. Тень разрастается, так постепенно стихия бунта захватывает всё пространство сцены. Артист точно чувствует переходы от страстной горячки Пугачёва к почти гипнотическому, вкрадчивому разговору. Звук и свет в спектакле создают и атмосферу, и смыслы – в зеленоватом тумане укрывается от дождя бунтарь или в темноте строит планы, но внезапно меняется цвет, звучит громкая музыка и его отбрасывает назад, вглубь сцены нечеловеческой силой. Режиссёр и артист не актуализируют есенинский текст, не выделяют особого сюжета, но эстетически точное решение спектакля подсказывает и направляет зрителей.
В один из вечеров хозяева фестиваля – Театр «С улицы Роз» и режиссёр Юрий Хармелин представили первый вариант будущей премьеры «Это было…Было…». Хармелин придумал спектакль на основе не текста, но музыки, не пьесы, а образов. Полтора часа звучат мелодии из немого кино 30-х годов, а на сцене разворачиваются безмолвные эпизоды из московской жизни тех лет. Нелепая пара – отличник и отличница со скрипичными кофрами за спиной пытаются назначить друг другу свидание, двое бездомных, весёлые шуты, неистово пытаются опохмелиться, а в углу продавщица заботливо предлагает каждому горячие пирожки. Сцены сменяются одна за другой, но, вдруг, все герои собираются вместе и замирают, словно восковые куклы. Не оживают они до самого конца, пока последний зритель не выйдет из зала. Актёры Театра «С улица Роз» виртуозно держат характерные роли, пластикой и мимикой рассказывают сюжет без единого слова, отыгрывают ситуации, словно лацци в итальянской комедии дель арте.
Беззаботность, чистота и радость спектакля Юрия Хармелина погружают зрителей в мир импровизации и свободы. Зал смеётся одновременно, но каждый видит в этот момент что-то особенное, узнаваемое или, напротив, совершенно незнакомое, волнующее или неинтересное, важное или незначительное. Юрий Хармелин прекрасно работает с актёрами, сценографией, музыкой, но он не направляет своё мастерство на конкретные зрительские реакции, а мудро и талантливо создаёт поле для личного размышления и переживания.
